(pour mémoire),

////////////////////////////////////////////////

Clint Eastwood, notre bon Américain

Jean-Baptiste Morain est en désaccord avec le concert de louanges qui entoure le dernier film de Clint Eastwood, Gran Torino. Il nous explique pourquoi.

A en croire la quasi-totalité des critiques publiées en France sur Gran Torino, le nouveau film d’Eastwood serait l’un des plus beaux du monde. Dans ce bel élan unanime et ému, on en oublierait presque d’analyser le film tel qu’il est et non tel qu’on voudrait qu’il soit. Or il me semble que l’aspect sympathique du film cache quelque redoutable vision du monde.

Ainsi, on lit partout qu’Eastwood le réalisateur n’aurait rien à voir avec le personnage qu’il interprète, un vieux et ignoble réactionnaire (raciste, misanthrope, anti-jeune, ancien combattant de Corée, amoureux des voitures et des armes) nommé Kowalski.

Cela ne va pas de soi. Il n’est pas du tout évident que le metteur en scène Eastwood traite mieux les voisins asiatiques de Kowalski que ce dernier ne le fait au début du film. Il suffit de regarder les rares scènes où Eastwood acteur n’apparaît pas pour se rendre compte qu’elles sont faiblardes, assez mal filmées, sans rythme et surtout mal jouées. Dans les scènes qu’il partage avec certains d’entre eux, on constate tout de suite qu’Eastwood le cabotin a bien pris la peine de choisir des acteurs qui n’aient pas son talent naturel, sa présence. Quant aux scènes qui montrent ses voisin Hmong préparer de la nourriture, elles noient tous les personnages en dehors du héros. Pas de réelle individualité : il y a Eastwood l’Américain d’un côté, les « bridés » de l’autre. Ou l’un parmi les autres. Tous les jaunes se ressemblent, c’est bien connu, et c’est comme cela qu’Eastwood les filme.

Ensuite, il faut préciser que les Hmong du film ne sont pas des Chinois, mais des Laotiens, une ethnie qui a lutté du côté des Américains pendant la guerre du Vietnam après l’avoir fait du côté des Français pendant la guerre d’Indochine, et qui ont dû pour cela soit se cacher dans la jungle, soit se réfugier aux Etats-Unis. Dire donc que Kowalski met de l’eau dans son vin, qu’il se rédime et qu’il choisit l’intérêt de ses voisins étrangers contre celui de ses enfants n’est pas juste. Il accepte ces asiatiques quand il s’aperçoit qu’ils sont de son côté, qu’ils ont combattu du même côté que lui, et qu’il l’ont éprouvé dans leur chair. Ils ne sont pas autres. Ils sont « ses bons Chinois », comme on dit que tout antisémite a « son bon juif » ou son « bon arabe » - l’exception qui confirme la règle.

D’autre part, les critiques dans leur ensemble vantent justement le geste final de Kowalski, qui lègue sa fortune à « ses bons chinois » plutôt qu’à ses propres fils. Alors qu’on peut très bien voir dans ce leg la manifestation d’une pulsion de haine contre ses propres descendants. Ce ne serait pas la première fois dans le cinéma d’Eastwood. Prenez le mièvre Sur la route de Madison (déjà, le titre...). Une brève histoire d'amour entre un beau photographe (Eastwood filmé par Eastwood) et une ménagère italo-américaine (Meryl Streep). Qui sont les méchants ? Les enfants de cette femme qui, après sa mort, découvrent son journal intime et hésitent à faire disparaître l’unique trace de cet amour adultère. Pour Eastwood, le danger vient des fils, jamais des pères. Les fils sont intéressés, idiots, gros et laids, ne pensent qu’à la respectabilité, là où les pères ne seraient que minceur, loyauté et responsabilité. Comme si, comme tout bon égocentrique qui se respecte, Eastwood ne supportait pas que les fils puissent un jour prendre sa place. Même si et surtout parce que le sens de la vie veut le plus souvent que les pères meurent avant les fils. Autre exemple : Million dollar baby (je ne vais pas vous faire toute la filmo, rassurez-vous). Un vieux entraîne une jeunette pour redevenir à sa façon une star de la boxe. Mais quand la fille est détruite par la boxe, qu'elle est paralysée, que fait-il ? Il la tue, il l'achève. Ce qu'on pourrait prendre pour une marque de pitié (une euthanasie pour abréger les souffrances de celle qu’il aime) n’est au fond que l’accomplissement de sa haine refoulée des générations qui lui succèdent. Une fois de plus. Certes, à la fin de Gran Torino, Kowalski se sacrifie pour sauver les jeunes Hmong. Mais c’est aussi pour garder la vedette.

Alors pourquoi crie-t-on au génie devant un film qui clame que tous les Le Pen du monde peuvent connaître la rédemption ? Au moins pour deux raisons.

La première serait que nous souhaitons secrètement que cela soit vrai : oui, un salaud peut devenir gentil. Un salaud est parfois drôle (Gran Torino est un film qui met de bout en bout les rieurs de son côté et leur permet d’exprimer sans remords ni conséquence leur racisme larvé) et donc sympathique. Nous rêvons que les gens qui votent pour l’extrême droite ne soient que des pauvres gens déboussolés… ça nous rassure.

La deuxième, c’est qu’on pardonne tout à Eastwood parce qu’on aime l’aimer (c’est effectivement un grand cinéaste) et parce qu’en France on n’aime pas autant d’Américains que cela (il y a Obama, certes, mais c’est très récent). On peut légitimement se poser la question : est-ce qu'on aimerait autant le film d’Eastwood s'il était français ? Ne lui pardonne-t-on pas tout (son idéologie de beau pépé égotiste) sous prétexte qu'il est américain, et donc naturellement réactionnaire ? Clint Eastwood nous donne bonne conscience.

 

Il est notre « bon Américain ». 

////////////////////////////////////////////////

Culture 09/02/2009 à 06h51

L’Afrique sans fard de Guy Tillim

Photographie. La Fondation Henri Cartier-Bresson présente deux séries du Sud-Africain.

BRIGITTE OLLIER

Guy Tillim, 46 ans, vit à Cape Town, au bord de l’Océan atlantique. Il est devenu photographe en 1986 «par curiosité, pour voir ce qui se passait dans mon pays». C’était une époque de lutte contre l’apartheid, il était dans la rue, dans les townships, «aujourd’hui, nos souvenirs animent les livres d’histoire de ma fille». Il aime à claquer des doigts lorsqu’il parle, d’une voix si douce qu’il faut tendre l’oreille pour l’entendre.

Déglingue. Jo’burg (2004) et Avenue Patrice-Lumumba (2008), ses deux séries accrochées à la Fondation HCB, offrent un point de rupture dans son parcours de reporter sud-africain. «Une libération, murmure-t-il. C’est la première fois que j’ai réussi à me séparer de moi-même, à m’extraire de mon iconographie. Avant Jo’burg, j’avais tendance à me projeter, je n’étais pas ancré dans le monde».

Jo’burg a été réalisée dans sa ville natale en 2004. Au départ, réflexe journalistique, il voulait photographier ici et là, puis il s’est rendu compte du faible intérêt de cette démarche, cela avait déjà été fait.

D’où son parti pris de se concentrer sur le centre-ville déserté par les Blancs et, paradoxe, de s’installer quelques mois seul Blanc dans une cité noire : «Je voulais échapper à l’image préconçue que j’avais de la façon dont les gens vivent ici. Et je me suis focalisé sur un seul aspect pour élargir mon champ de vision.» Ses documents dévoilent la déglingue des bâtiments, désormais insalubres. Les tours doivent être reconstruites, en attendant, les locataires se débrouillent. Carreaux cassés, murs crasseux, tas d’ordures, leur infortune nous fait honte. Les taudis sont universels.

Guy Tillim a choisi des couleurs sourdes qui imposent le silence, comme pour son autre sujet titré Avenue Patrice-Lumumba, du nom du héros de l’indépendance du Congo, assassiné le 17 janvier 1961. Il n’a pas cherché à montrer «l’effondrement des Etats africains postcoloniaux». C’est une errance, dit-il, un rêve en suspens sur les traces d’un «nationaliste visionnaire».

Contemplation. Grâce à la bourse Robert-Gardner du Peabody Museum de l’université de Harvard, il a parcouru plusieurs pays : l’Angola, le Bénin, la République démocratique du Congo, le Ghana, le Mozambique, Madagascar. Que cherchait-il ? D’une certaine façon, à s’enraciner dans le temps présent, loin des esprits diaboliques du passé.

Il y a des purs moments de contemplation face au vide des bâtiments administratifs, des statues abattues, ou de ce sol en terre battue, à Porto Novo, au Bénin, jonché de poules et de boules de pétanque qui ressemblent à des oranges grises. Il y a également des scènes incroyables, comme ces deux fonctionnaires face à des machines à écrire qui ont l’air de sortir d’un autre siècle.

Aucune photographie n’est vraiment belle, mais toutes racontent avec une grande simplicité l’étrange beauté, la vulnérabilité des paysages africains et de ceux qui y vivent aujourd’hui.

En 70 photographies, toutes numériques, Guy Tillim continue à témoigner de «la nature hybride de l’identité africaine». Et de son envie de faire partager ce continent.

Imprimer l'article

////////////////////////////////////////////////

Southern Gothic William Eggleston is even more colorful than his groundbreaking photographs. Add a Comment> 1 Comment | Add Yours> Comments | Add Yours> * By Rebecca Bengal * Published Nov 2, 2008 ‘Bill Eggleston has a show at the Whitney?” asks a woman at the bar of the Lamplighter Lounge in Memphis. She practically spits out her Budweiser. “I hate his shit!” Sam Cooke is on the jukebox, which plays real 45s; place mats are spread along the wood veneer, and the complimentary matchbooks are from D&D Bail Bonds in Wichita Falls, Texas. The bartender, Shirley, slices potatoes in the kitchen. A young couple are making out at a back table. “I’m from in the same town as him,” says another woman, who hails from Sumner, Mississippi. “I know his cousin Maudie. She’s a photographer, too.” “I like Weegee’s photographs,” the first woman cuts in. And again: “Bill Eggleston at the Whitney?” There’s a snapshot of William Eggleston at the back of the Lamp, displayed by a vase of unnaturally colored silk flowers, a dish of peppermints, and a cutout of James Dean. If this sounds like an Eggleston photograph, it’s close. That same day, in fact, the Lamp turns up in a box of proofs at the Eggleston Artistic Trust. There in supersaturated color is the EAT MORE POSSUM sign. Eggleston has a precarious relationship with the Lamp, one of his favorite haunts. In fact, he’s barred from entering. “I got really drunk one time,” he admits, “and I threw a hamburger at Shirley, who had just made it. But we’re still friends.” Shirley concurs. “He calls me up every now and then, asks how I’m doing, and I say, ‘Good,’” she says, fond but firm. She is pleased to own an Eggleston photograph at home and proud of his success, but, like the Lamp’s regulars, her feelings for her famous neighbor are complicated. “I like Bill, but he can’t come in here. Will you be sure and tell him I said hello?” The consummate insider-outsider, Eggleston remains aloof in the many worlds he inhabits—including the art circles of New York and the dive-bar culture of Memphis. Those intricate relationships will be on full display at the Whitney when his first comprehensive retrospective, “William Eggleston: Democratic Camera,” opens Friday—his most prominent return to the city since his MoMA debut in 1976. We met recently at the offices of his archive, a few miles east of the Lamp. As always, he’s dressed sharp: off-white lace-up oxfords, dark tailored pants, an undone bow tie over a blue oxford shirt monogrammed with a large orange B. “Got it at a yard sale. It had my name on it: B, for Bill.” He laughs. Eggleston has been known to wear the occasional knee-high Austrian riding boots and, according to Lamp regulars, “Zorro capes.” “Sometimes, yes,” he says. “It’s comfortable, and it looks good.” In 1967, when Eggleston arrived in New York from Memphis bearing a box of slides that would redefine photography, he was an anomaly. Not only was he one of the first photographers to wholeheartedly embrace color, but he embraced exactly what made color photography so controversial in highbrow circles: He treated the commonplace as art. Eggleston shot “democratically,” meaning anything—parking lots, shopping centers—was a worthy subject. “I thought I was doing the right thing, put it that way,” he says now. “And if someone told me something otherwise, I just put it aside.” He was soon befriended by a small “club” of artists—equally groundbreaking photographers Diane Arbus, Lee Friedlander, and Garry Winogrand. “Though our work was different, we felt that we were compatriots,” Eggleston says. “Somehow I knew we were, attitude-wise, doing the same thing.” Eggleston’s 1976 MoMA show launched his career and proved a turning point in the history of photography. Scorned at the time for being vulgar and banal, the show has since been revered for exactly those reasons. The exhibit was accompanied by a cheekily titled book, William Eggleston’s Guide, misread by many as an artistic travelogue to his native South. In truth, it was a Michelin guide to Eggleston’s singularly heightened way of seeing: His use of supernatural dye-transfer color, which implied that the ordinary was not at all so. His startling compositions directed viewers to look as closely as his camera, to recognize the grace, violence, and humor implicit in the mundane. A dog walking down a street. A fire burning in a barbecue grill. A red ceiling. The New York art world became fascinated with Eggleston’s southernness, and he, in turn, immersed himself in the scene, setting up house in the Chelsea Hotel with Warhol star Viva. But he never really became a New Yorker. Eggleston maintained a life in Memphis and a marriage to his wife, Rosa (with whom he has three children), while openly having other relationships. Evidence of this double life shows up in the Whitney retrospective, which highlights the museum premiere of Eggleston’s foray into filmmaking. Stranded in Canton is a full-length video vérité, shot in New Orleans and Memphis and navigating a seventies Delta netherworld of quaalude-popping dentists, soliloquizing transvestites, cryptologists, geeks, bluesmen—a southern equivalent of the Chelsea. His parallel lives, he says, are necessary: “It does get confusing sometimes. But each of these things allows the other. It creates a state of mind.” Untitled, from "Los Alamos," 1965-68 and 1972-74; Untitled, 1975; Untitled (St. Simons Island, Georgia) from "Morals of Vision," 1978. © Eggleston Artistic Trust) During his time in New York, Eggleston would roam the city with cameras, but he rarely shot pictures. “Those streets were Garry Winogrand’s world,” he says. Since then, his style of working has loosened so that he never knows where he will end up each day. A few years ago, he returned to New York and photographed a crushed-car lot in Queens. Recently he completed a Fondation Cartier commission to photograph Paris. “Years ago there, working in black and white, heavily under the influence of Henri Cartier-Bresson, I just didn’t see any pictures,” he says. “Now, once I start working, it’s no different from anywhere else in the world. Sometimes I have to ask, ‘Are we in Paris?’ ” The Whitney retrospective certainly demonstrates Eggleston’s mastery in depicting the place of a place. But it is equally possible to see the show as just the opposite: a career-long meditation on how the particular can reveal the abstract—the composition of light and its reflection. It’s four o’clock, and Eggleston, sitting on the stoop outside his office, smokes another in a long line of cigarettes. The late sun striking the cars in the lot recalls his first real color photograph: a bag boy pushing a row of carts. “This is beginning to be my favorite kind of light,” he remarks, his words precise but elegantly drawn out. “It brings out a spectrum that appeals to me, warmer colors that I don’t always notice at other times. It’s like when a thunderstorm moves through and the light changes swiftly from cold to warm.”

////////////////////////////////////////////////

Critique "Import Export" : quitter l'Ukraine pour la servitude en Autriche LE MONDE | 06.01.09 | 15h41 • Mis à jour le 06.01.09 | 15h41 e pas se fier au beau derrière nu qui trône sur l'affiche : Import Export n'est pas un film de fesses. On ne peut de fait tabler sur rien de ce qu'annonce son programme, Ulrich Seidl mettant son talent à déjouer les clichés que celui-ci charrie à la pelle. Le réalisateur autrichien, qui fut primé à Venise en 2002 pour Dog Days, met ici en résonance deux trajectoires qui se croisent sur la carte de l'Europe orientale : celle d'Olga (Ekateryna Rak), une infirmière ukrainienne qui émigre en Autriche après avoir perdu son emploi, et celle de Paul (Paul Hofmann), un agent de sécurité autrichien mis à la porte lui aussi, et qui fait le trajet dans l'autre sens. Loin d'être un rêve pour ces deux prolétaires modernes, la migration s'offre à eux comme l'ultime chance de survie. Pour Olga, qui a bien fait une tentative de gagner de l'argent en louant ses services à une agence de sexe par webcam interposée (d'où la photographie de l'affiche), c'est le choix de la dignité, qu'elle paie au prix fort : après avoir abandonné son bébé à sa mère, elle essuie les humiliations d'une grande bourgeoise qui la recrute comme jeune fille au pair, pour finalement échouer comme femme de ménage dans un hôpital gériatrique. Asphyxié par les dettes au point de craindre pour sa vie, Paul est acculé à assister son père honni dans un obscur trafic de machines de bistrot, et de l'accompagner à son corps défendant dans des entreprises nocturnes de prédation sexuelle. Tout cela paraît rebutant, et c'est le but. Mais la surenchère dans la misère est telle qu'elle tend vers l'abstraction et ce qui prend le dessus, et qui fait la beauté du film, tient au regard porté par le cinéaste sur ses protagonistes. Malgré le grinçant calvaire qu'il leur inflige, Ulrich Seidl les traite avec une profonde empathie, leur restituant l'humanité dont le système les a dépossédés. Accèdent au rang de personnages à part entière, complexes et attachants, des vieillards en couche-culotte abandonnés de tous, une jeune prostituée forcée de se montrer adorable face à des VRP ivres de leur supériorité financière, et même Paul, cet agent de sécurité à tendance fasciste à qui le film offre une chance de salut. GRABATAIRES ÉDENTÉES Reposant sur une construction subtile faite de longs plans-séquences et d'ellipses narratives brutales, Import Export évite le voyeurisme et dresse au contraire un constat tranchant comme une lame sur l'état des sociétés postindustrielles et la solitude infinie qu'elles induisent en retournant les plus pauvres contre les plus pauvres. Il s'ouvre dans un hôpital avec la mort d'un nourrisson et se termine entre les lits de vieilles grabataires édentées, incontinentes, maltraitées... Contre toute attente, cette dernière scène est magnifique. Les divagations de ces femmes (sur la mort, sur le Saint Esprit, sur la puanteur...) sont traitées comme une matière musicale, et le résultat fait penser à une création vocale de George Aperghis. Y a-t-il plus belle manière d'affirmer, envers et contre tout, sa croyance dans l'art, et dans l'humanité ? Film autrichien d'Ulrich Seidl avec Ekateryna Rak, Paul Hofmann, Michael Thomas. (2 h 15.) Isabelle Regnier

////////////////////////////////////////////////

Neuf histoires de vide au Centre Pompidou

LE MONDE | 21.02.09 | 15h05  •  Mis à jour le 21.02.09 | 15h05

on, rien de rien... vous ne verrez rien dans cette exposition du Centre Pompidou, à Paris. Intitulée "Vides, une rétrospective", elle donne à (re) voir les propositions radicales de neuf artistes, des années 1960 à nos jours : neuf salles vides.

A quelques mètres de l'accrochage touffu de la donation Daniel Cordier, le musée s'offre nu. Cimaises lambda, éclairage standard, blanc des murs, silence : voilà tout. Rien à voir, mais beaucoup à penser. Car chacun de ces vides a sa mémoire, ses spécificités, sa saveur. Symbolique, politique, réflexion sur la théâtralité du musée, désir ne rien rajouter à un monde saturé d'images...

Qui dit vide ne dit pas simple : les commissaires s'y sont mis à six pour penser l'accrochage, et surtout offrir sa profondeur théorique à ce leitmotiv scandaleux de l'histoire de l'art contemporain. A la tâche se sont ainsi attelés Laurent Le Bon, conservateur au Centre Pompidou, le jeune commissaire indépendant Mathieu Copeland (32 ans), l'artiste suisse John Armleder, réputé pour son sens de la provocation, la plasticienne Mai-Thu Perret, l'écrivain Clive Phillpot et l'artiste octogénaire Gustav Metzger, qui s'était lancé dans une "grève de l'art" de 1977 à 1980.

RÉFLEXION AMBITIEUSE

Un simple pied de nez à l'institution ? Loin de là. Le catalogue est des plus conséquents, la collaboration avec les artistes très étroite, le travail de médiation pointu - mieux vaut bénéficier de la présence d'accompagnateurs - et leur réflexion ambitieuse, "à la frontière de la proposition artistique et de la proposition d'histoire de l'art", selon Laurent Le Bon. "Il ne s'agit pas d'une exposition radicalement conceptuelle, mais aussi d'une invitation à explorer de manière très physique les espaces, dont chacun a sa texture. Une véritable expérience", souligne pour sa part Mathieu Copeland.

Cette proposition peut paraître des plus surprenantes pour un tel musée. Pompidou est pourtant le seul à l'avoir acceptée : les commissaires rêvaient de réaliser le même projet dans trois pays de manière simultanée, mais aucune institution ne s'est portée volontaire. Au Centre Pompidou, Laurent Le Bon a profité d'un interlude entre deux accrochages de la collection du musée.

L'exposition ouvre bien sûr avec, Le Vide, d'Yves Klein, l'ancêtre des vides : celui que l'artiste réalisa à la galerie Iris Clert en 1958. Profondément marqué par la philosophie zen et sa pensée de la vacuité, l'artiste désirait créer là " une ambiance, un climat pictural sensible et à cause de cela même invisible".

Plonger le visiteur dans l'invisible comme il pourrait plonger dans un de ses fameux Bleus : voilà la pierre angulaire de l'ensemble, oeuvre aussi culte dans l'histoire de la modernité que les 4'33'' de silence "composées" par l'Américain John Cage en 1952. Suit Art and Language, collectif britannique essentiel de l'art conceptuel : dans un article de 1967, il avait décrit la mise en espace de l'air conditionné. Seule oeuvre - The Air-Conditioning Show - exposée appartenant au collectionneur Philippe Meillan (qui en possède un diagramme), ce lieu virtuel où l'air évoluerait insensiblement prend ici forme pour la première fois. Quant à Stanley Brouwn, il recrée ici une pièce de 1972 où il invitait les visiteurs à marcher dans les rayons cosmiques.

Point de vue radicalement différent chez Maria Eichhorn, qui préféra donner le budget de son exposition à Berne en 2001 à la réhabilitation du musée plutôt qu'à la réalisation d'oeuvres. Grand maître de la dématérialisation de l'oeuvre d'art, le conceptuel Robert Barry a travaillé sur les ondes radio ou envoyé des gaz nobles dans l'air. Il invite tout simplement dans sa salle à, "pendant un instant, se sentir libre de penser à ce que nous allons faire".

De Bethan Huws à Robert Irwin en passant par Laurie Parsons, tous les artistes invités jouent de la projection. Jusqu'au jeune Roman Ondak, petit dernier de la liste, qui nous lance dans un espace vide avant de nous faire réaliser qu'il est muni d'un système d'écoute caché. Avec cette exposition pour temps de crise, bienvenue dans la nouvelle "ère du soupçon".

Emmanuelle Lequeux

////////////////////////////////////////////////

Gualdeloupe : ces vérités

qui dérangent

Véronique Grousset

20/02/2009 | Mise à jour : 17:05 | Ajouter à ma sélection

Cocotiers et pneus enflammés, véhicules renversés, parpaings : depuis lundi dernier, les barrages érigés par les militants du LKP se sont multipliés pour couper les routes de Guadeloupe.

Cocotiers et pneus enflammés, véhicules renversés, parpaings : depuis lundi dernier, les barrages érigés par les militants du LKP se sont multipliés pour couper les routes de Guadeloupe. Crédits photo : (Sipa Press)

Après un mois de conflit, marqué par la violence et les surenchères des manifestants, la tonalité désormais raciale et politique du discours de leur leader, Elie Domota, commence à inquiéter les Guadeloupéens.

Un premier mort. Par balle. Dans la nuit de mardi à mercredi, un syndicaliste d'une cinquantaine d'années, Jacques Bino, a été mortellement touché au volant de sa voiture alors qu'il s'approchait d'un barrage tenu par des jeunes dans la cité Henri-IV, une zone sensible de Pointe-à-Pitre. Et trois policiers escortant les pompiers venus le secourir ont également été blessés, par des plombs provenant «vraisemblablement d'une arme de chasse». Après quatre semaines de conflit, la Guadeloupe basculait dans le drame.

Lundi matin, tout était encore à peu près calme. A part le fait, naturellement, qu'on ne pouvait plus du tout circuler dans l'île. Peu avant l'aube, les troupes du LKP (Liyannaj kont pwofitasyon - Collectif contre l'exploitation) avaient barré la plupart des routes. Pas seulement neuf d'entre elles, comme il a été indiqué, mais absolument tous les accès (rocades ou venelles) qu'il leur plaisait d'interdire : rien que dans une petite ville comme Le Gosier, nous avons compté six barrages, dont deux en feu.

Presque tous étaient environnés de débris de pare-brise et d'effets personnels (sacoches, photos, livres, chaussures...) éparpillés sur le bitume, qui témoignaient de la violence avec laquelle certains conducteurs avaient dû être « convaincus » du bien-fondé des thèses du LKP.

Cette organisation très bien réglée, de la part d'un collectif regroupant quelque 43 organisations syndicales ou culturelles dont la création ne date pourtant que d'un mois, apparaît sans faille, car copiée sur celle des comités de surveillance révolutionnaires cubains : au moins un groupe par commune, sinon par quartier, composé de militants connaissant parfaitement leur voisinage, ce qui leur permet de bloquer n'importe quelle route ou hôtel (avec des pneus, des parpaings arrachés aux trottoirs, un cocotier ou un véhicule renversé) sur un simple coup de téléphone, même en ne disposant que d'une vingtaine de volontaires, gamins de 12 ans compris.

Echauffés pendant des heures à écouter leurs meneurs

Les gendarmes ne pouvaient évidemment pas laisser faire, et les manifestants n'attendaient que cela. Certains l'ont joué « pacifiste », en levant bien haut les mains devant les caméras, pendant que, à l'arrière-plan, les autres continuaient à balancer sur les forces de l'ordre tout ce qui leur tombait sous la main : des pierres, le plus souvent, et jamais choisies parmi les plus légères. Une cinquantaine d'entre eux ont été interpellés, puis relâchés avant la nuit. Ce qui leur a permis de regagner très vite le palais de la Mutualité de Pointe-à-Pitre, où les militants et les sympathisants du LKP se retrouvent tous les soirs, depuis un mois, pour écouter leur leader Elie Domota (voir encadré) les haranguer, ou pour danser, chanter, dîner d'un colombo de poisson cuisiné sur place, et recevoir leurs consignes pour le lendemain.

Après avoir gagné Pointe-à-Pitre en Zodiac depuis Le Gosier, avec une poignée de touristes qui n'avaient pas d'autre solution pour tenter d'attraper leur avion, nous en avons vu arriver quelques-uns, tous accueillis en héros, et très pressés d'y retourner. Trois heures après la tombée de la nuit, vers 20 h 30, les choses sérieuses commençaient : brutalement plongés dans l'obscurité totale par une panne de courant généralisée, les coteaux du Gosier résonnaient de galopades et de cris, rompus de temps à autre par une détonation sourde, tandis qu'un hélicoptère ne cessait de tourner en tentant d'éclairer les recoins du faisceau de son projecteur. Au cœur de Pointe-à-Pitre, c'était pire : échauffés par des heures passées à écouter leurs meneurs répéter leur indignation face à la «violence arbitraire» dont ils se prétendaient victimes, les casseurs se déchaînaient. Pillages, incendies, affrontements directs avec les forces de l'ordre, gaz lacrymogènes, grenades assourdissantes. Et nouveaux barrages dans de nombreuses communes de l'île - sachant que la plupart de ceux érigés la veille n'avaient jamais été démantelés.

Le matin du mardi, on pouvait parler sans exagérer de climat insurrectionnel. L'aéroport, qui avait résisté jusque-là aux nombreuses tentatives de blocage des grévistes, était fermé.

Les touristes, regroupés dans les hôtels encore ouverts (la plupart du temps sans télévision, sans service de chambre, sans eau chaude et sans aucune possibilité d'en sortir), étaient exaspérés, parfois même paniqués. Elie Domota avait enfin obtenu ce qu'il désirait.

Dès la nuit du vendredi 13 février, lorsqu'il nous reçoit, il ne cache déjà plus, en effet, que les 200 euros d'augmentation pour tous les salaires inférieurs à 1,4 fois le smic - ce fameux « point » qui fait officiellement blocage et dont «les médias nationaux font tant de cas» - ne sont pas sa priorité. Tout en estimant qu'aucune de ses 131 revendications n'a été satisfaite, il ne nous parle alors que de sa colère contre ce qui se passe en Guadeloupe, du point de vue racial, économique et culturel. «Ce que nous voulons, c'est que la France cesse de nous mépriser et nous fasse enfin confiance en rétablissant les droits légitimes des Noirs en tant que peuple majoritaire sur cette île», nous dit-il en insistant sur l'urgence d'un «rétablissement aussi rapide que possible d'un meilleur équilibre sociologique, professionnel et économique entre les différentes composantes, dont les Blancs, bien entendu- personne ne dit qu'ils ne sont pas Guadeloupéens - de la société guadeloupéenne». Les mots « indépendance » (honni par l'immense majorité des électeurs d'outre-mer) ou « révolution » (Haïti est très proche, et ne fait pas vraiment rêver) ne sont évidemment pas prononcés. Mais l'expression «libre droit des peuples à disposer d'eux-mêmes», si.

Un discours foncièrement politique, qui présente l'incontestable avantage de permettre à Elie Domota de sortir la tête haute de ce conflit, en s'assurant le soutien d'une partie non négligeable des Antillais, effectivement convaincus d'être «exploités et méprisés», non seulement par les Blancs en général, mais aussi par l'Etat français. Il est en effet sidérant de constater que beaucoup d'entre eux croient sincèrement qu'ils rapportent davantage à la métropole («en impôts, en taxes, et en consommation des surplus de l'Union européenne», ainsi que le proclame Elie Domota) qu'ils ne lui coûtent. Et qu'ils sont en revanche très peu nombreux à réaliser que les prix baisseraient d'eux-mêmes si les fonctionnaires (presque tous les militants du LKP le sont ; Elie Domota étant lui-même directeur-adjoint de l'ANPE) n'étaient pas payés 40 % de plus en Guadeloupe qu'en métropole. Ou si les élus des Antilles cessaient de défendre la défiscalisation, conçue au départ pour augmenter le nombre de logements, mais qui n'a fait que renchérir la valeur des terrains et le coût des travaux.

Le paiement des jours de grève est bien sûr exigé

Mais, en favorisant les émeutes, son unique carte vu la fin de non-recevoir qu'il n'a cessé d'opposer au secrétaire d'Etat Yves Jégo comme aux élus de l'île, Elie Domota fait un pari des plus risqués. Car les Guadeloupéens ont commencé de le lâcher et de s'en méfier depuis au moins trois semaines, dès qu'il est devenu évident que le combat du LKP n'était pas dirigé uniquement «contre la vie chère». La fermeture des stations-service et des commerces, l'impossibilité d'envoyer leurs enfants à l'école, les barrages et les menaces auxquels ils se heurtent sans arrêt lorsqu'ils tentent de se rendre à pied à leur travail, la peur qu'ils ont de perdre leur emploi (une angoisse qui n'épargne que les militants fonctionnaires du LKP, et d'autant plus que leurs dirigeants syndicaux ont d'ores et déjà prévenu que, «bien entendu», ils exigeraient le paiement des jours de grève), les exactions contre les rares commerçants qui refusent de s'incliner face aux intimidations dont ils sont quotidiennement victimes, l'exode des touristes (30 % d'occupation dans les hôtels, contre 70 % en cette période de l'année en temps normal), et les dépôts de bilan en chaîne (185 pour les quatre premières semaines du conflit), les avaient déjà considérablement détourné d'un mouvement qui n'a, de toute façon, jamais été majoritaire. La tonalité désormais raciale et politique du discours de Domota n'a fait que renforcer leurs craintes. Mais maintenant, avec les pillages et les affrontements, la coupe est pleine. Dès lundi, tous les Guadeloupéens que nous avons croisés ne disaient déjà plus «les grévistes» en parlant des militants du LKP, mais «les voyous». Un glissement sémantique qui équivaut à une condamnation dans une société qui déteste la violence, et qui n'a déjà que trop subi - toujours à son détriment - celle des gros bras de l'UGTG (Union générale des travailleurs de Guadeloupe).

Des cases en tôle avec «un veau au piquet»

Jusqu'à présent, toutes les grèves menées par ce syndicat, le plus important de l'île, dirigé depuis avril dernier par Elie Domota, n'ont en effet profité qu'à ceux qui ont déjà le plus : les dockers, payés 6 000 euros net par mois, les fonctionnaires, les employés des banques, les transporteurs. Et ce, tout en renforçant à chaque fois les monopoles, privilèges, rentes de situation et autres abus du droit et de la morale qui foisonnent de toute façon sur l'île. Car, quoi qu'en dise Elie Domota, les plus pauvres n'y ont jamais rien gagné. Les plus pauvres, c'est-à-dire 40 % de la population : tous ceux qui n'ont rien à faire de 200 euros de plus, puisqu'ils ne touchent pas de salaire, ni du gel des loyers puisqu'ils vivent dans des cases en tôle avec «un veau au piquet» (revendu cinq fois son prix d'achat après un an passé à brouter l'herbe saturée d'essence du bord des routes), en donnant ce qu'on appelle ici des «kou de main» (travail au noir). Et tous ceux qui souffrent aussi le plus de cette grève, avec l'explosion des prix que pratiquent les «lolos», ces petites épiceries locales que le LKP autorise à ouvrir et à s'approvisionner, mais qui abusent souvent de la situation. Comme quoi la «pwofitasyon» n'est pas toujours du côté des mêmes... Et cela aussi, les Guadeloupéens sont bien placés pour le savoir.

////////////////////////////////////////////////

Portrait

Marin Karmitz

Citizen MK

LE FIL CINéMA - La nomination de l’ex-maoïste Marin Karmitz à la tête d'un “Conseil pour la création artistique”, sorte de ministère de la Culture bis, a surpris. Portrait du créateur de MK2, producteur-distributeur-exploitant talentueux, dont les prises de position à géométrie variable agacent.

Marin Karmitz - Stéphane Lavoué/ MYOP

Un mao chez Sarko ? La nomination par le président de la République de Marin Karmitz à la tête d'un « Conseil pour la création artistique » a provoqué quelques étranglements dans le milieu du cinéma. De rire pour certains, qui décernent au patron de MK2 la palme d'or du retournement de veste. De colère pour d'autres, heurtés par cette volte-face d'un homme d'art et de culture, qui cède aux sirènes d'un pouvoir peu concerné par ces questions. Pourtant, en novembre 2007, après l'élection de Nicolas Sarkozy, Marin Karmitz déclarait dans Marianne avoir « mal à la France ». Lui dont la famille, de riches industriels juifs, a quitté la Roumanie communiste en 1947 pour se réfugier en France affirmait : «Ce pays cesse d'être celui qui m'a élevé et que j'ai aimé. »

Producteur, distributeur et exploitant de films depuis quarante ans, Marin Karmitz a réalisé dans sa jeunesse quelques films révolution­naires (Coup pour coup, Camarades) et reste associé aux cinéastes qu'il a produits ou commercialisés tout au long de sa carrière - Krzysztof Kieslowski, Abbas Kiarostami, Claude Chabrol ou Gus Van Sant. Jadis mao convaincu, membre de la Gauche prolétarienne et militant virulent contre la guerre d'Algérie ; aujour­d'hui septuagénaire et sarkophile, deviendrait-il donc réac ? Ou simplement soucieux d'un emploi prestigieux, digne de ses compétences, alors qu'il a laissé le pilotage quotidien de MK2 à son fils aîné, Nathanaël, en 2005 ? En tout cas, il n'a pas hésité à solliciter clairement les faveurs du pouvoir, sans craindre la contradiction : dans Le Monde du 8 décembre, Karmitz affirmait qu'avec sa réforme de l'audiovisuel public Nicolas Sarkozy avait « sauvé France Télévisions », alors que, quinze jours plus tôt, il signait avec les autres anciens membres de la commission Copé une tribune dénonçant la « trahison » du chef de l'Etat ! « La grossièreté de la manœuvre nous a tous sidérés, rugit encore un ancien membre de la commission. On attendait le retour d'ascenseur. » Qui n'a pas tardé, avec cette nomination en forme de ministère de la Culture bis.

« Marin Karmitz n'est plus de gauche depuis un moment, il soutenait François Bayrou à la dernière présidentielle, observe Christophe Girard, adjoint à la culture (PS) du maire de Paris. C'est son droit le plus strict, mais il n'assume pas complètement ses évolutions. » Plus prosaïquement, l'ami de Marin Karmitz depuis trente ans, Jean Henochsberg (patron de plusieurs salles d'art et d'essai à Paris), avance : « A un certain âge, les convictions politiques s'émoussent... Le principal centre d'intérêt de Marin, c'est son activité professionnelle. Pour le reste, il est plus proche de l'apolitisme. »

“Marin Karmitz organise la troisième partie

de sa vie, il est sensible aux honneurs

et a toujours cultivé des amitiés utiles”

A 70 ans, Marin Karmitz veut continuer d'exister. Ses projets de développement international, en Chine notamment, n'ayant pas vu le jour, il se rabat sur la scène politico-culturelle française, à laquelle il croit sincèrement pouvoir apporter ses lumières. « Il organise la troisième partie de sa vie, il est sensible aux honneurs et a toujours cultivé des amitiés utiles », poursuit Henochsberg. Le conseiller multicarte Alain Minc, déjà intervenu en 1998 pour aider Karmitz à racheter l'indépendance de MK2 au groupe Vivendi, qui en détenait 20 %, a facilité le dialogue entre le producteur et l'Elysée.

Depuis plusieurs années, Marin Karmitz surprend. Choque même, au gré de ses stratégies virevoltantes. En 1995, lorsque UGC ouvre un multiplexe aux Halles, il mène une bataille acharnée contre ce concept qui menace ses salles de Beaubourg et du Quartier latin. Lobbying poli­tique et médiatique : il fourbit les armes contre les grands groupes et leurs méthodes industrielles. Rapidement, il étend le domaine de la lutte à la carte d'abonnement, lancée aussi par UGC. « En parallèle et en grand secret, se souvient un ancien proche collaborateur, Marin préparait pourtant une carte concurrente avec Gaumont-Pathé, le Pass. Et il visait déjà l'ouverture de son propre multiplexe, le MK2 Bibliothèque. »

En 2007, Karmitz se fâche avec Pathé, qui obtient la concession des nouveaux cinémas de Beaugrenelle, dans le 15e arrondissement de Paris, jusque-là exploités par MK2. « Lorsque Marin s'estime trahi, la rupture est violente et définitive », notent plusieurs anciens collaborateurs. Sans complexe, Karmitz se tourne alors vers son ennemi juré d'hier, UGC, pour s'allier dans la fameuse carte illimitée qu'il a tant combattue... Loyalement, il emboîte aussi le pas au groupe de Guy Verrecchia dans sa plainte en justice contre l'agrandissement du cinéma municipal de Montreuil, pour concurrence déloyale. Plus que tout, cet acharnement contre une salle subventionnée a cristallisé les critiques, même parmi ses amis : Karmitz a lui-même largement bénéficié d'aides publiques pour créer ses salles. Le terrain du MK2 Bibliothèque lui a été at­tribué par le maire du 13e arrondissement (Jacques Toubon, à l'époque), sans appel d'offres et à des conditions très avantageuses...

Ces positions ou alliances à géométrie variable ont brouillé sérieusement son image. Pour expliquer ses volte-face, Marin Karmitz dégaine à l'envi un argument définitif : son goût pour la dialectique. Comme s'il n'assumait pas vraiment lui-même d'avoir si bien réussi à allier art et profit... Adolescent, il s'est senti déchiré entre les désirs de réussite commerciale nourris pour lui par son père, qui avait fait fortune en Roumanie dans le commerce de médicaments, et les ambitions plus intellectuelles de sa mère. Très proche de cette femme littéraire, cultivée et polyglotte, le garçon a longtemps eu honte de son père, qui privilégiait la réussite matérielle et n'a jamais bien parlé le français. Pourtant, au fil de sa carrière, Marin Karmitz a réconcilié ses deux ascendances, comme il l'écrit en 2003 dans Profession producteur (1) : « Je n'ai pas choisi entre mon père et ma mère ; j'ai plutôt scellé leur alliance : celle de la création et de l'industrie. »

Peu soucieux d'être aimé, Marin Karmitz a toujours fait cavalier seul dans la profession. Bon nombre de producteurs ou distributeurs de Paris sont passés par MK2. La plupart en sont partis fâchés à mort et refusent de s'exprimer sur ce patron tyrannique et brillant, ou le font anony­mement. Jusqu'à la prise de fonction de Nathanaël, héritier contesté, Marin Karmitz s'est conduit en pater familias aussi craint que respecté. Exigeant jusqu'à la terreur, d'une mauvaise foi effrontée, il a pourtant bénéficié du dévouement sans faille de collaborateurs motivés. « C'est une dynamique difficile à expliquer, dit un ancien cadre. Marin a un charisme très fort et le concept de MK2 est enthousiasmant, c'est un projet auquel on a envie de tout donner. Il a aussi un talent de pédagogue, il aime choisir des dauphins, les former, les modeler. Mais dès qu'ils prennent de l'assurance, ils tombent en disgrâce car Marin ne supporte pas de perdre son ascendant. »

Le concept de MK2 est unique en France : une mini-major qui couvre tous les stades de la vie des films - de la production à la commercialisation en DVD - dédiée au cinéma d'auteur. « C'est l'équivalent d'UGC en termes d'efficacité, mais pour les films d'auteurs, analyse Olivier Assayas, dont L'Heure d'été (2008) a été produit par MK2. C'est un outil génial. » Cette réussite vient pré­cisément des contradictions de Marin : doté d'un flair très sûr et d'un sens des affaires impitoyable, il met les deux au service d'une authentique cinéphilie - qui en devient rentable. Il a ainsi ferraillé inlassablement pour acquérir de très beaux catalogues de films (ceux de Truffaut puis de Chaplin). Restaurés, enrichis de contenus éclairés, ces films sont aujourd'hui exploités en DVD et dans ses salles, qui elles-mêmes témoignent d'une audace et d'un savoir-faire exceptionnels. Des bijoux d'architecture, installés dans des quartiers abandonnés par la culture (à Beaugrenelle, autour de la Seine à Stalingrad, puis dans le nouveau 13e arrondissement). Les films y cohabitent avec des livres, et des expositions - Karmitz est un grand amateur, et collectionneur averti, d'art contemporain.

“En presque dix ans, je ne l'ai jamais vu

sourire, et l'imaginer rire est carrément

inconcevable” (une ancienne salariée).

Christophe Girard confirme : « En tant qu'élu parisien, je reconnais que Marin Karmitz a fait beaucoup pour le cinéma à Paris, même si ce n'est pas un homme facile... » D'une susceptibilité maladive, Karmitz est capable de renvoyer un chèque de la mairie qui l'aidait à rénover une salle à Gambetta parce que l'adjoint a eu le culot de dire à des journalistes que MK2 est subventionné, ni plus ni moins que ses concurrents. La subvention expédiée une seconde fois avec un petit mot, il l'a tout de même encaissée... Plus tard, quand Pathé a obtenu la future concession de Beaugrenelle après la fermeture des salles MK2, Karmitz (qui avait quand même touché 7 millions d'euros d'indemnités d'éviction !) a débarqué, furibard, dans le bureau d'Anne Hidalgo, élue du 15e, la menaçant violemment de pétitions qui lui feraient perdre les élections... Intransigeant, d'une impatience de moins en moins contenue, Marin Karmitz est un ancien timide dont la dureté viendrait en partie d'un réflexe d'autoprotection. « Je ne suis jamais cassant dans ma tête, disait-il au Monde l'été dernier. J'ai le corps violent et la tête calme. »

Cet esthète s'apaise en compagnie du silence, de la beauté et du luxe. Avec son épouse, la psychanalyste Caroline Eliacheff, il vit dans un hôtel particulier avec vue sur le Luxembourg, où les convives arrivent par un ascenseur intérieur et sont servis à table par du personnel en gants blancs. Chez MK2, la table de réunion est l'oeuvre d'un designer, entourée de tableaux d'Alechinsky. Le bureau du fondateur est décoré de photographies de Christian Boltanski et de son portrait par Gérard Fromanger. Habillé sur mesure, Marin Karmitz affiche une élégance discrète et irréprochable. Il roule en Smart, se ressource dans son manoir normand auprès de ses chevaux, part en vacances en Toscane ou à Courchevel. Comme patron, il est beaucoup moins magnanime : il a longtemps fractionné MK2 en plusieurs sociétés pour éviter la constitution d'un comité d'entreprise ; lorsqu'il congédie des collaborateurs, il se soucie peu de se retrouver aux prud'hommes... Il s'est fâché avec plusieurs metteurs en scène, las de ses mesquineries financières et de sa manie du contrôle absolu : Claude Chabrol par exemple, en a eu assez de se voir imposer Caroline Eliacheff comme coscénariste, avec un cachet conséquent. On raconte aussi que sur un tournage de Lucian Pintilie en Roumanie, les figurants étaient payés en boîtes de conserve...

Râleur, perpétuellement en colère, Marin Karmitz semble en vouloir à tout et tout le monde. « En presque dix ans, je ne l'ai jamais vu sourire, et l'imaginer rire est carrément inconcevable, témoigne une ancienne salariée. Marin a toujours quelque chose de douloureux en lui, comme s'il se sentait constamment persé­cuté. » Même si sa famille a traversé la guerre sans encombre en Roumanie, Karmitz, enfant, n'allait pas à l'école parce qu'il était juif - il est arrivé en France à 9 ans, sans savoir lire ni écrire. Il se méfie de la religion - « l'acceptation de l'idolâtrie, de la pensée unique », écrit-il (1) - mais s'est longtemps passionné pour l'étude du judaïsme, et finance depuis des années une école talmudique dans le Marais. Son ami Jean Henochsberg, qui tenait Nathanaël Karmitz bébé « le jour de sa circoncision », confirme : « Marin a le sentiment fort de son appartenance à la judéité, d'un point de vue philoso­phique et culturel. »

Assailli par un sentiment permanent d'incompréhension, par la certitude qu'il n'est pas reconnu à sa juste valeur, Marin Karmitz reste sans doute hanté par son désir originel : être un artiste qui compte. Après ses premiers films, il se rend vite compte qu'il ne sera pas un grand metteur en scène. Avec beaucoup de lucidité, il décide alors de permettre l'avènement des films des autres. Selon une ancienne collaboratrice, « il garde le désir profond de laisser quelque chose à la postérité. Il s'approprie totalement les films qu'il fait vivre, les cinémas qu'il bâtit : il les voit comme son oeuvre personnelle ».

Au soir de sa carrière, Marin Karmitz veut toujours être en pleine lumière, peu lui importe d'où viennent les projecteurs. Son nouveau Conseil pour la création artistique, dont la composition a surpris par la quasi-absence de créateurs, justement, mais aussi de femmes ou de jeunes, n'est peut-être qu'un tremplin. Karmitz vise sans doute plus loin : le ministère de la Culture lui-même, la présidence d'une chaîne de télévision, ou celle d'un festival de cinéma... Tout pour exister, garder sa place et se voir enfin reconnu tel qu'il se voit depuis toujours : indispensable à la culture française.

 

 

.

Juliette Bénabent

Télérama n° 3084

(1) “Profession producteur. Conversations avec Stéphane Paoli”, de Marin Karmitz, éd. Hachette (2003).

////////////////////////////////////////////////

«Ricky» : Ozon bat de l’aile

Usine. Le cinéaste échoue dans sa tentative d’explorer un nouveau genre de film : le fantastico-social.

BRUNO ICHER

Ricky de François Ozon avec Alexandra Lamy, Sergi López… 1 h 30.

C’est une marotte chez François Ozon, ce goût de brouiller les pistes et les genres. Un cache-cache amusant et souvent cruel, toujours roublard. Pour Ricky, le cinéaste s’est amusé à jeter une fragile goutte de merveilleux dans un océan de tristesse et de médiocrité : un bébé volant au beau milieu du quotidien d’une famille nécessiteuse qui ne croit plus depuis aux contes de fées.

Cette famille, c’est d’abord Cathy (Alexandra Lamy, sévère). Elle s’emmerde, littéralement à cent sous de l’heure, dans une usine abrutissante, vit dans un appartement obscur et trop petit. Elle s’occupe toute seule et mal de sa fille de 7 ans. En guise d’imaginaire, elle joue au loto, et au rayon amourette, elle prend ce qu’elle a sous la main, c’est-à-dire un collègue costaud et poilu (Sergi López), dont elle a fait connaissance dans les sanitaires de l’entreprise. Le tout possède l’austérité de ces téléfilms de France Télévisions, dont le cahier des charges impose de s’emparer d’un problème de société, en l’occurrence une famille de prolos confrontée au problème d’un enfant «différent». Car, de ce couple qui empeste l’échec, naît Ricky, un bébé à qui pousse des ailes dans le dos. D’abord des moignons hérissés d’ergots comme dans un vieux Cronenberg, puis de vraies et belles plumes qui lui permettent de semer le trouble dans un hypermarché et la panique dans la communauté scientifique.

Ozon offre quelques pistes pour expliquer l’anomalie : la pensée magique de la petite fille pas ravie de voir débouler un petit frère, l’allégorie de l’envie générale de foutre le camp loin de cette banlieue moche ou, peut-être, l’extraordinaire pugnacité du fantastique à se faufiler dans une réalité sans l’ombre d’un espoir. Sauf qu’à aucun moment, l’histoire ne peut être belle. Elle ne porte rien d’autre en elle qu’un enchaînement de sourdes angoisses, de malentendus et de combats perdus d’avance. En jouant de ce réalisme social incapable de voir le merveilleux au bout de son nez, Ozon offre des personnages seulement pitoyables. Ce qui rend le film peu sympathique et dénué d’un charme qui, pourtant, devrait en être le moteur.

////////////////////////////////////////////////

Google Street View  : vices privés et vertus publiques La création de Google Street View pose un problème de respect de l’intimité. Malgré la garantie d’anonymat, le système n’est pas parfait et se situe aux limites de la loi. par Etienne Tête, Odile Belinga tags : vie privée , Google Maps Odile Belinga •avocate, Ligue des droits de l’homme et Etienne Tête • conseiller régional, adjoint au maire de Lyon. Vices privés, vertus publiques, titre d’un film du Hongrois Miklos Jancso, peut se décliner sur bien des sujets. L’opinion impose beaucoup de probité à l’Etat. Mais le niveau de la morale s’affaisse devant l’euro ou le dollar « rois ». Les critères de Maastricht pour les budgets publics, Madoff, Kerviel, les folies de l’ingénierie financière pour la sphère privée … L’émotion populaire a été forte à l’encontre du fichier Edvige. La vidéosurveillance supporte la même controverse. Côté public, les ministres de l’Intérieur successifs, les collectivités locales, recherchent la légitimité en or ganisant des débats, des comités d’éthique et une législation appropriée. Finalement, un rapport sénatorial rendu public en décembre concède la nécessité de « mieux protéger et informer le public » et de ne pas déléguer la vidéosurveillance publique à des personnes privées. Pour mémoire, la « vidéosurveillance n’a qu’un faible impact sur la délinquance dans les espaces complexes et étendus », notamment les places et les rues. Il est préférable d’avoir la criminalité de la France, avec très peu de caméras, que la forte criminalité de la Grande-Bretagne avec beaucoup de caméras. Côté privé, les processus d’atteinte aux personnes se mettent sournoisement en place, via des entreprises commerciales. Avec éclat, l’affaire qui met en cause le dirigeant de Taser pour avoir espionné une personnalité politique importante, rappelle à tous qu’il y a des limites à ne pas franchir. La création de Google Street View pose un problème de respect de l’intimité. Après avoir fait circuler des véhicules équipés de caméras numériques, l’entreprise met en ligne des images de grandes villes de France (rues, places, habitants…). L’internaute peut se déplacer dans des quartiers « comme s’il y était ». Les images sont pour une part statiques, les individus ne bougent pas comme dans un film, et pour une autre dynamique, la succession des images permet d’identifier le déplacement des automobiles, des cyclistes ou des piétons. Certes, pour garantir une forme d’anonymat, un logiciel rend flous les visages et les plaques d’immatriculation. Mais le système n’est pas parfait. Des visages ne sont pas « floutés », c’est souvent le cas des gens de couleur. Il en est de même de certaines plaques. Un camionneur, dans un faubourg chaud, penché à sa fenêtre, s’adressant à une femme à la tenue d’une frivolité sans équivoque, et tout un chacun interprète qu’une heure de travail sera bien vite remplacée… Son patron aussi. Des tests montrent que les quidams connus sont reconnus. En réalité, un être n’est pas seulement distingué par son visage, une voiture n’est pas seulement identifiée par sa plaque. Des vêtements originaux caractérisent. Une voiture singulière peut être significative. La 2CV est devenue rare. Tout le monde ne doit pas être contraint d’exister en gris, pour vivre caché, pour vivre heureux. Le préjudice pour un citoyen n’est pas seulement d’être reconnaissable, il est également de penser qu’il peut l’être. Google oblige chaque individu à passer des heures à vérifier s’il n’est pas visible sur le site. La deuxième inquiétude provient de la dérive progressive. Après les images satellites, après les images de rues… il y aura demain des caméras permanentes, consultables sur Internet, qui permettront d’observer toutes les rues. Une vidéosurveillance de curiosité. Pourquoi la société Google fait-elle cela  ? Pour gagner de l’argent  ! Sur le plan moral, est-il légitime de porter atteinte à l’intimité des autres pour s’enrichir  ? Sur le plan juridique, le Code pénal ne réprime que l’action de fixer, enregistrer ou transmettre, sans le consentement de celle-ci, l’image d’une personne se trouvant dans un lieu privé. Le Code civil retient un principe général d’interdiction de publication, notamment commerciale, de l’image d’autrui sans son agrément, sauf l’unique exception qu’est le droit à l’information, équilibre entre deux droits fondamentaux garantis par la Convention européenne des droits de l’homme. En ce sens, Caroline de Monaco a fait juger par la cour de Strasbourg, contre l’Allemagne, que les Etats doivent garantir le respect de la vie privée entre personnes privées, et non pas seulement le respect de la vie privée par l’Etat lui-même. L’avantage commercial s’efface devant l’intérêt du respect de la vie privée. Les maires, par arrêté municipal, peuvent encore interdire toute activité de commerce sur le domaine public. L’application immédiate de la loi de 1995 sur la vidéosurveillance à la situation de Google Street View  ? Il importe peu que les images soient diffusées de manière différée par rapport à la prise de vues, ou que l’objectif soit commercial ou de surveillance… et il importe peu que le mode de transmission soit en 24 images secondes ou moins. En revanche, si l’interprétation de la loi donnée par le Conseil constitutionnel est claire, toute vidéo privée de, et sur, l’espace public est interdite, les services du ministère de l’Intérieur ont une position plus nuancée. Pourquoi la société Google risque-t-elle de violer la loi  ? Parce que son activité est borderline  ? Parce que le juge pénal sera hésitant devant une loi mal écrite  ? Tout simplement, elle sait qu’en droit français, la législation est construite au profit du plus fort contre le plus faible. Le fort peut prendre illicitement de petites sommes d’argent à des milliers de personnes, peut entraîner des milliers de petits préjudices… Comme la législation française ne reconnaît pas l’action collective, chaque victime ne peut pas s’offrir un procès… Quand bien même un courageux téméraire tenterait de saisir le juge, son gain serait illusoire par rapport aux frais de procédure  ; et sa victoire n’entamerait d’aucune manière l’immense bénéfice réalisé par l’entreprise. Le processus continue  : Google vient de lancer Latitude, qui utilise les procédés de géolo calisation des téléphones portables ou la triangulation par les antennes GSM pour repérer les utilisateurs de téléphone portable sur un plan. La fin des maris volages  ? Selon l’entreprise américaine, tout serait facultatif. Cependant, tout mécanisme « obligatoire » a commencé sa carrière dans l’optionnel. Alors, de renoncement en renoncement, le temps des poètes sera mort, l’instant furtif des bancs publics cher à Brassens révolu. Il ne restera plus qu’à rêver  : « Les secrets les plus doux sont encore plus doux lorsqu’ils restent secrets. »

////////////////////////////////////////////////

La grève de la faim d'une journaliste licenciée provoque un sentiment de malaise à "Libération"

LE MONDE | 13.02.09 | 15h42

epuis mardi 10 février midi, Florence Cousin, secrétaire de rédaction à Libération, campe dans le hall du quotidien de la rue Béranger, allongée sur un lit de camp, en grève de la faim. Agée de 47 ans et décrite comme "fragile", la journaliste a reçu une lettre de licenciement datée du 2 février, assortie d'un dossier de la direction voulant mettre en évidence ses "insuffisances professionnelles".

Les plus anciens de la maison ont l'impression de vivre un mauvais remake de 1981, lorsque Jean-Paul Cruse, délégué CGT, faisait la grève de la faim devant le bureau de Serge July pour protester contre les licenciements qui accompagnaient le lancement de "Libé 2".

Le rapprochement est d'autant plus tentant que Florence Cousin milite à la CGT. La lettre de licenciement lui a été envoyée deux semaines après la fin de la protection dont elle bénéficiait en tant qu'ex-déléguée du personnel. Beaucoup y voient un"guet-apens" tendu par la direction. Laurent Joffrin, le PDG de Libération, a en effet annoncé son intention de procéder à "huit ou neuf" départs contraints dans l'année, afin de ramener l'effectif des salariés à 200 personnes. Celui de la secrétaire de rédaction serait donc le premier de la série.

Les syndicats ont tous appelé à la grève, le SNJ (majoritaire), la CGT et SUD réunis. Mais le mot d'ordre a été rejeté à une très large majorité, jeudi 12 février : 132 voix contre, 46 pour et 8 blancs ou nuls. Pour beaucoup, ce scrutin reflète la faible popularité de la journaliste. Il traduit aussi la perte d'influence de la CGT, qui n'a recueilli que 17 % des voix aux élections de 2008.

"C'est un blanc-seing donné à Laurent Joffrin pour poursuivre les départs contraints, s'inquiète un journaliste. En choisissant de s'attaquer d'abord à Florence, la direction nous a tendu un piège. Il sera très difficile maintenant de protester contre les autres départs." Les syndicats se refusent à tout commentaire et prennent acte du vote.

Mais le climat est mauvais. "Chacun se regarde en chien de faïence et ceux qui ont voté contre le bras de fer avec la direction ne sont pas fiers de leur vote", commente un rédacteur.

La grève de la faim aggrave le malaise. Chaque jour, les salariés qui défilent dans le hall ne peuvent éviter de voir cette femme pâle aux cheveux bruns étendue sous ses couvertures, buvant de temps à autre une gorgée d'eau. Des militants de la CGT se relaient pour lui tenir compagnie la nuit. Mercredi, la journaliste a été prise de migraines et ses confrères ont appelé SOS-Médecins.

Chacun craint que Florence Cousin ne s'obstine dans son attitude, faisant de sa grève de la faim un combat contre la direction et contre la rédaction qui ne la soutient pas. La journaliste a un rapport passionnel avec le quotidien, dans lequel elle est entrée comme aide-comptable à l'âge de 23 ans. Nommée ensuite assistante au service photo, elle a suivi une formation pour devenir secrétaire de rédaction, un poste qu'elle occupe depuis septembre 2008.

Laurent Joffrin affirme qu'il est "ouvert à toute discussion". "Nous allons tout faire pour trouver une solution avec Florence Cousin", insiste-t-il, tout en maintenant son refus de la réintégrer.

Mercredi, plusieurs salariés ont émis l'idée de mener une médiation, qui permettrait à chacun de sortir de ce conflit la tête haute.

Xavier Ternisien